Cristiana de Marchi

EXPOSITION ART HERE 2021
Richard Mille Art Prize
18 novembre 2021 – 27 mars 2022

Cristiana de Marchi (1968, Italie) est une plasticienne et écrivaine italo-libanaise vivant et travaillant à Dubaï. Dans sa pratique — textiles, broderies, films et performances —, l’artiste fait et défait en permanence la relation entre temps, espace et mémoire. Explorant la façon dont les lacunes d’une pensée séquentielle engendrent une dissolution et une dispersion de la mémoire, elle révèle comment cette mémoire peut altérer notre relation au passé : comment le fait de revisiter de manière répétitive, circulaire et continuelle le passé peut véritablement changer la structure du temps, ouvrant par là même sur la possibilité d’un futur renouvelé. Cet acte consistant à décomposer la mémoire en ses éléments constitutifs permet finalement de redéfinir, reconfigurer et remodeler les espaces et les récits.

« J’ai suivi une formation d’archéologue en Italie, où je me suis spécialisée en urbanisme hellénistique et romain — les provinces romaines m’intéressaient particulièrement. Mon université a été invitée à participer à des fouilles archéologiques à Beyrouth après la guerre civile : c’est comme ça que j’ai déménagé au Liban pour y travailler en tant qu’archéologue. Dans le même temps, j’ai également développé ma propre pratique artistique. En 2006, je suis arrivée à Dubaï et j’ai trouvé plus tard un emploi au sein d’une galerie d’art, précisément au moment où The Flying House ouvrait ses portes à Al-Quoz. Curieuse, je suis allée à la rencontre de ce groupe d’artistes, qui m’a proposé de travailler avec eux. Cela a marqué le début d’une longue amitié et la naissance d’un sentiment d’appartenance à la communauté des Émirats arabes unis. Ce terme, “communauté”, est très prégnant aux Émirats ; c’est une notion propre à ce lieu. J’y ai construit des relations précieuses, j’ai commencé à y organiser mes propres projets et, surtout au cours de mes années passées à la Flying House, également en collaboration avec Mohammed Kazem. J’ai donné des conférences, j’ai beaucoup écrit et, plus récemment, j’ai travaillé sur plusieurs projets avec la jeune génération d’artistes émiriens. Lorsque je suis arrivée aux Émirats, Charjah était la principale ville de référence au sein des institutions culturelles, Dubaï avait trois ou quatre galeries, et toutes n’étaient pas spécialisées en art contemporain ; c’était une très petite communauté. Le récent développement des institutions aux Émirats nous expose non seulement aux artistes locaux, régionaux, mais aussi aux artistes internationaux. Les expositions, les programmations et les ateliers sont réguliers. Le système éducatif a lui aussi évolué : tandis qu’aujourd’hui la jeune génération reçoit une éducation en bonne et due forme jusqu’à l’université, la génération de Mohammed Kazem, Mohamed Ahmed Ibrahim et Abdullah Al Saadi était autodidacte. Hassan Sharif fut le mentor de ces jeunes artistes qui, à leur tour, devinrent les mentors de la génération suivante.

C’est ici que j’ai commencé à montrer mes créations ; je ne l’avais jamais fait, auparavant. Lors de l’une de mes conversations avec les artistes de la Flying House, j’ai évoqué le fait que, moi aussi, je créais, et ils ont voulu voir ce que je faisais. Lorsqu’ils ont découverts les œuvres, ils étaient stupéfaits et ils m’ont encouragée à les exposer. Ce soutien, qui émanait d’une communauté d’artistes, est bientôt devenu primordial pour moi, et c’est à partir de là que j’ai commencé à concevoir le rôle de l’artiste de manière plus organique et active.

Pendant de nombreuses années, je pensais avoir tourné la page de l’archéologie. Mais aujourd’hui, force est de constater que certains éléments constitutifs de mon travail résonnent avec mon expérience d’archéologue, comme mon intérêt pour la cartographie et cette idée de traduire la perception bidimensionnelle de l’espace en autre chose, qui me viennent de mon intérêt pour l’urbanisme. Je retrouve également une certaine continuité dans l’observation attentive. En tant qu’archéologue, vous êtes formé à reconnaître les différences subtiles du sol qui vous indiquent ce qui s’y cache. Or la plupart de mes œuvres — tout particulièrement les monochromes — sont difficiles à percevoir : il faut vraiment fournir l’effort d’une attention accrue. Mon procédé — celui du quadrillage — demande également beaucoup de minutie. C’est le même qui est utilisé dans les chantiers de fouilles archéologiques. Je ne dessine jamais directement sur la toile, je transcris tout au jugé et en comptant. À vrai dire, j’effectue aussi le travail inverse, comme pour une fouille, où il faut reporter quelque chose de tridimensionnel en dessin. Je réalise d’abord un dessin, puis je transforme ce dessin en objet tactile. J’ai souvent pensé au fait que je me compliquais la vie en ne dessinant pas sur mes textiles. C’est un procédé fait main et, au bout du compte, je pense qu’éviter la simplification m’amène ailleurs. Chaque pas que je fais est un pas vers un espace idéalisé ou représentatif de la carte, avec ses multiples sens.